Inversus Doxa

Apokálupsis

Fred — 2013-04-23T13:28:50Z

Frederick Galiay : basse
Edward Perraud : batterie

Gazul records - 2013 - Ref. GA8861 - Distribution Musea

Old ocean
Häxa
Liwjatan
Lukanthropia
Erzulie
ki-sikil lil-là
Sjöfn
Riding a dead horse

durée totale 50'

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Enregistré au studio Py Paris 2012 par Arnaud Pichard & Gilles Sohier
Mixé par Arnaud Pichard & Frederick Galiay
Mastering Marwan Danoun à Galaxy studios Belgique

Old ocean

photo couverture : Morgane Paoli & Frederick Galiay
photo intérieure : Edward Perraud
Artwork : Frederick Galiay
Graphisme : EDITh WEBer
Produit par Big

Depuis quinze ans Frederick Galiay et Edward Perraud inventent et improvisent une musique abstraite, fonctionnant avec une étrange, sinon étonnante symbiose. BIG ne se soucie guère des styles, sa musique est l'expression de la liberté de n'appartenir à aucun ordre, aucune famille.

“… Une présence musicale extrême, une force d'ancrage à toute épreuve, la Drum&Bass devient tout à coup beaucoup plus intéressante. Le souffle que fait circuler big, avant tout pure énergie, nous rend à une pulsation primordiale ; il nous rappelle que la musique reste une affaire de respiration et de vie.”
Joël Pagier Improjazz

“ Sur le papier, un duo basse batterie... mais en concert, il est difficile de croire que l'on assiste au travail de deux personnes. Rarement on a vu une telle fureur...”
Frederic Temps L'étrange festival

Le mot « apocalypse » est la transcription du terme grec (ἀποκάλυψις / apokálupsis) signifiant « dévoilement » ou « révélation » Apokálupsis est l'œuvre de maturité de ce duo. Le voile est levé, le propos clair, radical et opiniâtre.

Lien : Big

Morphème - présentation du projet

Inversus Doxa — 2013-03-05T13:04:54Z

Demo :

Extrait bandes seules :

Note d'intention :
MORPHÈME #1 est une pièce de Frederick Galiay pour guitare électrique et diffusion électroacoustique, interprétée par JeanSébastien Mariage.

La composition est envisagée comme un zoom excessif d'une transitoire hyper ralentie : une plongée microscopique dans le minuscule espace qui sépare l'attaque du plectre sur la corde de la guitare, de la résonance de celle-ci, en élargissant ce laps de temps pour en extraire les composantes spectrales.

La pièce est un continuum de trois parties, elles-mêmes divisées en quatre sous-parties. La progression très lente, les événements rares et assez distants, amènent l'auditeur à se questionner sur le rapport entre l'espace et le spectre : une installation immersive qui joue sur la mémoire de l'auditeur.

Un système de spatialisation de type acousmonium diffuse la bande électroacoustique. Les haut-parleurs sont répartis dans l'espace de la manière la plus discrète possible, le volume sonore de la bande est longtemps subliminal, afin de valoriser au maximum, tant de manière effective que de façon perceptive, l'acoustique du lieu. La guitare vient habiter le dispositif en guidant, influençant, déformant le contexte. L'espace est dans l'obscurité, seul l'instrumentiste est visible, éclairé faiblement : est ainsi créé un duo entre la guitare et le lieu. C'est le lieu, l'espace qui est donné à écouter.

Au delà des lieux traditionnels de concert, Morphème #1 est conçue pour être interprétée dans les espaces patrimoniaux : églises et cloîtres, musées, galeries... Selon le contexte, la déambulation du public peut être envisagée.

Missing Time - Press kit

Inversus Doxa — 2013-02-26T11:52:34Z

Frederick Galiay : basse électrique, composition

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Part I Bönpo Ouverture/Capture :

Part VII Break Point/Retour :

Inversus Doxa est heureux de vous annoncer la sortie de sa nouvelle référence. Il s'agit d'un album de basse électrique solo, composé et interprété par Frederick Galiay : MISSING TIME.

Missing Time est une pièce en huit parties, composée pour un soliste à la basse électrique en interaction avec un dispositif d'amplification, un dispositif de "prise de son active" et, pour la version concert, un dispositif de diffusion.

Cette pièce est une composition à plusieurs niveaux avec différentes permutations possibles. La partition est une vue globale et non linéaire du champ des possibles autorisés, et n'étant pas conçue comme une trame à suivre dans sa temporalité, elle laisse à l'interprète le soin d'agencer les différentes propositions.

L'œuvre se présente sous la forme d'un laboratoire sonore en temps réel, une expérience d'immersion, développant une mécanique des relations spatiales et temporelles existant entre les sons.

Le dispositif qui permet d'intervenir sur le son à différents endroits de sa progression, de son émission à sa résonance, est pensé comme un méta-instrument, une machine à plusieurs niveaux de générations et d'interconnections sonores.

Le processus de création se caractérise par une focalisation sur le son et les ressources élargies de l'instrument - celui-ci poussé dans ses ultimes retranchements - et par la dissection et la mise en lumière des éléments constitutifs des sons (attaques, transitoires, résonances...), eux-mêmes considérés comme éléments structurant la composition.

Le "missing time" définit le temps manquant dans la mémoire des "ravis", à la suite de prétendus enlèvements d'humains (abductions), à bord d'O.V.N.I.

Les huit mouvements de l'œuvre symbolisent, d'une manière métaphorique et assez librement, les huit phases présentes de façon récurrente dans les témoignages d'abductés.

Chronique du concert du 1er Février au Pannonica - Nantes

Fred — 2013-02-26T10:49:20Z

Il est des concerts dont on sait qu'on ne sera pas déçu. D'autres pour lesquels on sait à quoi s'attendre… Et d'autres encore, plus rares, dont on ne sait rien… On connaît les musiciens, sans toujours pouvoir deviner la nature de leurs nouveaux projets…
Ce quartet-ci fait évidemment partie de cette dernière catégorie. Franck Vaillant, Gilles Coronado et Sarah Murcia, à savoir les trois-quarts du formidable groupe Caroline (dont le dernier album est plus que recommandable), et le bassiste Frederick Galiay, co-éminence grise (avec Edward Perraud) du singulier projet Big Pop (voir la chronique de Citizen Jazz) sont réunis autour d'un projet alliant des compositions de Galiay à des poèmes d'Edgar Allan Poe.
Pas vraiment de jazz, ce soir, mais une énergie rock rappelant autant la no-wave que le rock progressif de King Crimson ou le R.I.O. d'Henry Cow, le tout mâtiné de musique drone (suis-je le seul à avoir parfois pensé à l'album Insurgentes de Steven Wilson ?). Rock, donc, mais joué par des musiciens rompus à l'exercice de la musique improvisée, étirant le temps et emportant le spectateur très, très loin, dans le monde si particulier de Poe. Indescriptible, en réalité !
Après une ouverture instrumentale tonitruante au groove irrésistible, la voix de Sarah Murcia, étrangement fragile et solide à la fois, murmure légèrement dissonant quoique toujours maîtrisé, nous entraîne dans les histoires sombres du poête américain : “Eldorado”, “Eulalie”, “Ligeïa”, “The Ring”, “The Rest Of Heaven Was Blue”, et un extraordinaire “The Raven”, lancinant, où pendant dix minutes (une heure ?), on ne peut s'empêcher d'entendre ce terrifiant corbeau tapoter à la porte de la chambre du malheureux narrateur.
Inquiétude, terreur… Jamais la musique ne tombe dans le cliché de la B.O. de film d'horreur, préférant suggérer plus qu'appuyer… Les étranges guirlandes synthétiques de Sarah Murcia, les hachures foudroyantes de la guitare de Gilles Coronado, le couple basse/batterie furieux (on ne répétera jamais assez combien Franck Vaillant est un batteur fabuleux), les voix mêlées de Murcia et Galiay, tout concourt à faire perdre pied à l'auditeur, sans pour autant le lâcher en route. Une musique tendue, hypnotique, souvent à la limite de la transe (impossible de ne pas headbanger !), douce, enveloppante, explosant soudainement en bourrasques, rampante, insidieuse (la mélodie de “The Raven” me trotte encore dans la tête aujourd'hui)…
Un moment musical unique, riche en surprises, qui laisse espérer un très grand disque, actuellement en phase d'enregistrement.
A ne rater sous aucun prétexte si le groupe passe en concert près de chez vous !

http://zoreilles.forumdediscussions.com/

Photos N&B : michaelparque.tumblr.com
photo couleur : Emilie Barreau

Extrait du concert au Café de Paris le 14 octobre 2012

Inversus Doxa — 2013-01-27T22:09:05Z

Frederick Galiay : Missing Time

Fred — 2013-01-08T16:41:16Z

Frederick Galiay : basse électrique

Inversus Doxa - 2013 - Ref. IDMM001 - 15€

Part I Bönpo Ouverture/Capture
Part II Electric Sun/Manipulations
Part III Strates/Exposure
Part IV Magnetic Sleep/Machine room
Part V Black Out/Space Journey
Part VI Théophanie
Part VII Break Point/Retour
Part VIII Bönpo Clôture/Marks

durée totale 55'

Musique composée, interprétée, enregistrée et mixée par Frederick Galiay
Mastering par Norscq

Missing Time : Part I Bonpo Ouverture : Capture

Photo : Frederick Galiay
Graphisme : Jean-Sébastien Mariage

Missing Time est une pièce en huit parties, composée pour un soliste à la basse électrique en interaction avec un dispositif d'amplification, un dispositif de "prise de son active" et, pour la version concert, un dispositif de diffusion.

Cette pièce est une composition à plusieurs niveaux avec différentes permutations possibles. La partition est une vue globale et non linéaire du champ des possibles autorisés, et n'étant pas conçue comme une trame à suivre dans sa temporalité, elle laisse à l'interprète le soin d'agencer les différentes propositions.

L'œuvre se présente sous la forme d'un laboratoire sonore en temps réel, une expérience d'immersion, développant une mécanique des relations spatiales et temporelles existant entre les sons.

Le dispositif qui permet d'intervenir sur le son à différents endroits de sa progression, de son émission à sa résonance, est pensé comme un méta-instrument, une machine à plusieurs niveaux de générations et d'interconnections sonores.

Le processus de création se caractérise par une focalisation sur le son et les ressources élargies de l'instrument - celui-ci poussé dans ses ultimes retranchements - et par la dissection et la mise en lumière des éléments constitutifs des sons (attaques, transitoires, résonances...), eux-mêmes considérés comme éléments structurant la composition.

Le "missing time" définit le temps manquant dans la mémoire des "ravis", à la suite de prétendus enlèvements d'humains (abductions), à bord d'O.V.N.I.

Les huit mouvements de l'œuvre symbolisent, d'une manière métaphorique et assez librement, les huit phases présentes de façon récurrente dans les témoignages d'abductés.

X_Brane au festival Crak

Inversus Doxa — 2012-12-05T14:40:41Z

vendredi 28 septembre 2012
Eglise Saint-Merry - Paris

Ecouter l'intégralité du concert :

Télécharger le fichier (wav)

Lien : Festival Crak

Photos

Inversus Doxa — 2012-10-21T08:44:00Z

Audio

Inversus Doxa — 2012-10-04T15:32:34Z

La nymphe Echo à l'Audible Festival

S.R. — 2012-09-29T20:52:43Z

Comble comble comble du mieux que tu peux mon trou d'ego, ma fosse sceptique. Ou du masochisme de la position de supporter d'artistes – autrement appelé public, auditeurs, spectateurs, lecteurs, amateurs d'art.

Maman, j'ai fait. Viens viens je t'en prie contempler mon caca. Admire-le, admire-le mais sans réserve. Si tu émets la moindre réserve, tu romps le pacte défécatoire : c'est moi qui fais. Si tu émets la moindre réserve, à l'égard de mon Œuvre ou seulement de ma légitimité à attendre de toi assentiment, si ce n'est admiration, je t'écouterai quand même, parce que tout de même tu parleras encore de ma crotte, mais je t'écouterai comme enfant je triais dans mon assiette les petits pois des carottes pour ne manger qu'eux, ou alors beaucoup plus distraitement. Et ce ne sera que justice, puisque toi aussi tu m'auras considéré distraitement, toi qui n'auras pas su voir, à travers mes productions, l'être admirable que je suis. Aussi distraitement que j'écoute, là, ce qu'on me donne à entendre et qui ne m'intéresse pas, pas assez pour ne pas préférer continuer seule la conversation commencée au dehors, avant concert, avec A. Les artistes sont de fieffées sangsues. C'est peut-être même ça, définitoirement, un artiste : quelqu'un dont l'ego est tellement malade qu'il doit pomper en continu sa sensation d'exister dans la reconnaissance d'autrui. Pouah, quand on y pense, quelle servitude… Tiens, démonstration instantanée : et vas-y que je t'envoie le gros son en finale, histoire que tu t'en souviennes bien, de mon caca.

Ce faisant – continuant la conversation d'avant concert – je vois bien que je m'éloigne de la source (mais c'est qu'elle est putride). Je n'ai pourtant jamais dit que j'allais écrire des chroniques musicales. J'ai juste dit que j'allais écrire en concert. Ce qui n'est tout de même pas la même chose. Seulement voilà, en vertu du vice susdit, les musiciens s'attendent à ce qu'écrire en concert équivaille à écrire sur eux. Sur leur musique, corrigeraient-ils. En glissant subrepticement primo sur le fait que dissocier leur personne de ce qu'elle produit est pour le moins problématique, deuxio sur le fait que préférer son caca à sa personne est tout de même une aberration (en d'autres circonstances, je pourrais tout à fait en faire l'éloge, de cette aberration ; mais nier que cela en soit une, certainement pas). Me rappelle une récente conversation avec un metteur en scène et un comédien, et pas n'importe lesquels – ce dont on peut inférer que le niveau d'ego autour de la table n'était pas banal – qui cognaient sur Sophie Calle, et tout aussitôt élargissant, sur tous ceux qui en littérature ne faisaient que parler d'eux – autofictionnaires, Angot, Delaume – sur l'antienne du « pouah caca, parler de soi, c'est pas bien, c'est pas intéressant ». Ce disant, ils se posaient en tenants d'un genre de morale (judéo-chrétienne bien entendu : Pascal, « Le moi est haïssable… Quel sot projet a-t-il eu [Montaigne] de se peindre… »). Mais est-ce vraiment l'ego de l'écrivain, lequel se répandrait outrancièrement, qui fait problème, ou celui du lecteur, l'hypocrite lecteur à l'amour-propre trop chatouilleux, qui serait blessé qu'un autre ait le front de parler de soi, plutôt que de le flatter lui, encore et toujours, en lui laissant un espace où il puisse aisément se répandre, lui ? Et n'avoue-t-il pas là, assez explicitement, que lui ne s'intéresse absolument pas à autrui ? Heiner Müller :
L'intérêt des gens les uns pour les autres n'en finit pas de dépérir.

Retour au mythe de Narcisse. Ne me souviens plus qui m'a dit un jour, passablement courroucé : « Mais on s'en fout, des Grecs ! ». Et de fait, on s'en fout, des Grecs, et des modernes comme des anciens, de toute évidence. Seulement voilà, les mythes n'appartiennent pas aux Grecs. Ils n'appartiennent pas davantage au passé. Ce sont des outils (marteau, clé à molette), des outils de spéculation et de connaissance en l'espèce, dont l'efficience s'actualise dans le vif d'une réflexion, ou d'une rêverie. Ou encore : un mythe est une boîte à secrets ; pour qu'il soit opérant, encore faut-il ouvrir la boîte. Pour qui n'actionne pas l'outil, n'ouvre pas la boîte, alors là, oui, bien sûr, le mythe est un genre d'ornement culturel, semblable à ces bibelots qui s'accumulaient sur les commodes des salles à manger prolétaires au XXème siècle, pièces d'apparat qui ne servaient et vivaient qu'à Noël, ou lors des enterrements. L'intelligence n'est pas la culture. Bref.

Où en étais-je ? Oublié. Un instant, je me suis faite avaler par le son. Mais y a pas : tout le conceptualisme musical ne vaut pas une minute de Stockhausen, de quelque période que ce soit y compris la plus abstruse. Je suis d'humeur râleuse, soit. C'est que ce que j'écoute en ce moment est exaspérant. Du son pour le son. Saucissonné pour le saucissonnage. Spatialisé pour la spatialisation. La froideur du meurtre avec préméditation. La sécheresse d'un exercice de grammaire Bled. Mettre le verbe entre parenthèses à l'imparfait. Sectionner le son en 17 séquences (ou 33 : pas compté). Séparer les séquences d'un silence de 9 secondes (idem). Ajoutez de pauvres gogos masos coincés dans une salle. Diffusez. Ca vous fera un concert. C'est d'un monumental ennui. Continuons.

Narcisse est un très beau jeune homme. Un jour qu'il se penche pour boire à une source, il voit son reflet dans l'eau. Jusque là, tout va bien. C'est après que ça se gâte. Ce que l'on retient généralement du mythe à ce stade, c'est que Narcisse tombe amoureux de lui-même. Ce en quoi on se trompe. Deux nuances, et qui changent tout. L'une objective : ce n'est pas de lui-même que Narcisse tombe amoureux, c'est de son reflet. Non de lui, mais d'une projection de lui-même (« ce n'est pas moi qui est important, c'est mon œuvre »). L'autre subjective : Narcisse ignore qu'il s'agit de SON image ; ce qu'il voit, c'est l'image d'une belle personne (« mon œuvre existe en tant que telle, elle est détachée de ma personne »). Pour mémoire, le miroir – feuille d'étain sous plaque de verre – n'a fait son apparition qu'au XIIIème siècle ; on avait bien l'usage du métal poli, faisant office de miroir, depuis l'Antiquité, mais outre qu'il était réservé aux très riches, l'image renvoyée était pour le moins très imparfaite (contours flous, couleurs altérées, volumes anamorphosés). Le besoin créant l'outil, jusqu'en des temps très tardifs, le seul miroir du commun des mortels était la surface de l'eau. Les chats, persistant à ne pas éprouver le besoin de se voir, ne se reconnaissent toujours que très rarement dans les miroirs, et la plupart du temps ne s'y voient même pas. Bref bis, les mythes remontant, comme on dit, aux calendes grecques, en un temps si ancien que le temps ne paraît lui-même pas encore né, Narcisse, chasseur selon les uns, berger selon les autres, a toutes les raisons du monde d'ignorer que ce qu'il aime est un reflet, et le sien en prime. Et puis, il y a aussi tout un pan du mythe qui est passé aux oubliettes...

Peter Rehberg/Markus Schmickler. Une bonne dégelée sonore, voilà qui fait du bien. Une musique sur laquelle on n'a pas peur que se fasse entendre le crissement du stylo sur la feuille, une musique SOUS laquelle on peut bouger, vivre enfin entre un ciel et une terre qui pèsent d'un même poids – équilibrage des masses – où être suspendu ou écrasé c'est idem, où entre toutes choses on est enfin vraiment là, vraiment soi. Heiner Müller encore, sa Médée :
Je veux déchirer l'humanité en deux
Et demeurer dans le vide au milieu Moi
Ou la genèse selon Hésiode : au début était le chaos. Puis vint Eros. Non pas l'amour, non – Eros, c'est le désir. Y a de ça, dans la noise : quelque chose comme une musique des origines. Le chaos, énorme masse de matière brute, et le désir, principe ordonnateur.

Une femme un jour aima Narcisse : elle s'appelait Echo. Elle n'était pas douée de parole : elle ne pouvait que répéter ce que d'autres disaient. Narcisse la dédaigna. Non pas tant parce qu'elle ne parlait pas, mais parce qu'il était Narcisse. Dans une version du mythe, on dit qu'elle se laissa dépérir d'amour, maigrissant jusqu'à disparaître, sa voix seule subsistant : naissance du phénomène sonore de l'écho. Dans une autre version du mythe, c'est Echo qui, pour se venger de Narcisse, lui lance une malédiction : un jour, il mourrait de n'aimer que lui (voulant rejoindre le reflet qu'il aime, Narcisse se noiera). Narcisse dédaigne une femme, Echo, nymphe aimante et gironde, qui lui renvoie ses paroles, en faveur d'un coin de mare qui lui renvoie son image. Soi versus autrui. Mais aussi : sonore versus visuel.

Précisément. Où, comme on dit, les extrêmes se rejoignent. S'il y a un musicien dont on, qui est souvent très con, dit le plus uniment qui soit, dans un petit cénacle de musiciens très réduit et surtout très fermé, qu'il est narcissique et tout ce qui s'ensuit, c'est celui-ci. Ils ne le disent pas en termes si choisis. Toujours en peine avec la parole, ils le font entendre plus souvent qu'ils ne le disent, et quand ils le disent, leur propos est souvent rendu suspect par sa virulence. C'est pourtant un musicien, qui, quoique compositeur, ne rechigne pas à se mettre au service de la musique d'un autre, d'une autre qui plus est, en l'occurrence. Kasper T. Toeplitz interprète Elemental II, d'Eliane Radigue. Ce soir, et ce pour la ixième fois depuis 2004. Et il le fait avec autant d'application, de rigueur passionnée, que s'il s'agissait de sa propre musique. Non, pas autant : davantage. Il traite en définitive la musique de cette petite femme à l'esprit aigu et tranchant comme un caprice d'enfant avec plus de constance et de hauteur de vue qu'il ne traite la sienne. A la question de savoir s'il existe une transcendance, par exemple, et quelle qu'elle soit, lui répondrait résolument – aussi résolument que possible – non. Néanmoins, si aspiration à la transcendance il y a, si c'est celle d'Eliane Radigue dont il a choisi d'être l'interprète – mais sans doute faut-il, précisément, qu'il l'ait choisi – alors il veut bien l'assumer. Non seulement il le veut bien, mais il le peut. Assumer en faveur d'autrui ce qu'on ne voudrait ou ne saurait assumer pour soi, il me semble que ce n'est pas si loin de ce que l'on appelle générosité. Il est vrai qu'on ne l'appelle plus souvent. Au point qu'on finit par avoir un doute sur sa définition.

Mais il y a tout de même Jérôme Noetinger, à qui l'on doit, avec les Instants Chavirés et le Théâtre de l'Echangeur, cet Audible Festival – parce que j'ai beau râler, on y a tout de même entendu de belles choses – Jérôme Noetinger, qui quoique superbe musicien dépense une part très conséquente de sa belle énergie à faire jouer (l'Audible), distribuer (Metamkine) et publier (Revue & Corrigée) ses pairs. Comme Christian Zanési depuis plusieurs décennies au GRM. Ou Arnaud Rivière depuis bientôt dix ans à Sonic Protest. Un défi. Etre tout à la fois Narcisse et Echo : la fleur qui porte son nom dont le blanc des pétales symbolise la pureté dure du solipsisme de Narcisse, et le cœur rouge, le sang d'Echo versé pour lui par amour, ou dévotion, ou abnégation. Ou, et c'est peut-être la très nouvelle acception de l'ancienne générosité, par masochisme.

Les Instants Chavirés
Le Théâtre de l'Echangeur
Metamkine
Revue & Corrigée
Jérôme Noetinger
Kasper T. Toeplitz
Arnaud Rivière